Se viene la 20° edición del Festival Buenos Aires Rojo Sangre BARS

La vigésima edición del más antiguo festival de cine fantástico de Latinoamérica, el Buenos Aires Rojo Sangre, se realizará entre el 21 de noviembre y el 1 de diciembre de 2019 en el Multiplex Belgrano (Vuelta de Obligado 2199), Ciudad de Buenos Aires.

El BARS festeja sus veinte años con una edición especial en la que no faltará el espacio para el autohomenaje, con la edición de Buenos Aires Rojo Sangre: 20 años de cine, hemoglobina y autogestión, un libro coral y colectivo que repasa la historia del festival y la de las últimas décadas del cine fantástico argentino.

Adelantos de la programación

Con una programación variada y atrevida donde, como siempre, se destaca la producción nacional con films como la desquiciada versión del cómic de culto Cazador la película (Georgina Zanardi, Marcelo Leguiza), el horror campestre de Respira: Transgénesis (Gabriel Grieco), el cierre de la épica trilogía punk TR3SH: la concha de su madre (Alejo Rébora), el improbable documental Zombies en el cañaveral (Pablo Schembri), el postapocalipsis mediterráneo de Carroña (Luciana Garraza, Eric Fleitas) o la bizarra El gran combo (Matías Szulanski). El BARS reitera su apoyo al cine latinoamericano, con títulos como el primer film de horror panameño Diablo Rojo PTY (Sol Moreno), la climática cinta colombiana Luz (Juan Diego Escobar Alzate), el horror sobrenatural de la mexicana Belzebuth (Emilio Portes) o los zombies de la venezolana Infección (Flavio Pedota). En el plano internacional, de destacan la comedia neocelandesa Killer Sofa (Bernie Rao), el film de ciencia ficción chino Last Sunrise (Wen Ren), el brutal thriller Artik (Tom Botchii) y el bizarro slasher norteamericano You Might be the Killer (Brett Simmons).

Invasión: Japón

Para este año Japón desembarca en Buenos Aires con una seccion especial intensa y variada selección de films que muestran sus últimas novedades del cine de género, con films como Vamp (Kazuya Konaka), Ghost Master (Paul Young), Mimicry Freaks (Shugo Fujii) y Ballad of the Nail (Dynamite Hira), entre otros.

Homenaje especial

Este año el BARS rendirá un homenaje especial a una estrella del cine internacional: Carmen Yazalde quién, con el seudónimo de Britt Nicholls, brilló en films de Jess Franco como Daughter of Dracula (1972), Une vierge chez les morts-vivants (1973) o La maldición de Frankenstein (1973). La reconocida modelo ofrecerá una entrevista pública donde charlará, por primera vez, sobre su fugaz pero indeleble experiencia en el cine europeo de horror.

Buenos Aires Rojo Sangre es el más antiguo festival de cine fantástico de Latinoamérica. Con un recorrido de dos décadas, el BARS es un espacio de encuentro y exhibición del cine fantástico de todo el mundo y un punto de resistencia para los creadores argentinos de cine de género. Nacido en el año 2000 como una muestra de cine independiente de género, y desde 2004 con el formato de festival competitivo, el Buenos Aires Rojo Sangre es una cita imprescindible para los amantes del género y para el público que quiere entrar en contacto con un cine que no se ve en otros festivales.

19º Festival Buenos Aires Rojo Sangre: Competencia Internacional 3

Tercera y última crónica del 19º Festival Buenos Aires Rojo Sangre con respecto a la competencia internacional.

AFTER THE LETHARGY

Dirigida y escrita por Marc Carreté (Asmodexia), Afther the Lethargy es una película española hablada enteramente en inglés sobre una joven periodista que se embarca en un viaje en medio de un bosque cercano a una ex base militar donde suele haber avistamientos y encuentros cercanos con extraterrestres. Aunque la policía crea que las personas allí atacadas siempre lo sean por salvajes osos, Sara viene llevando hace tiempo una investigación que ahora la conduce a ese lugar y a continuar con el trabajo de campo.

Con un joven policía local como compañero, lo que empieza como un viaje atractivo se va tornando cada vez más una película de terror. After the Lethargy es una historia de extraterrestres que empieza con un tono más cercano a la comedia pero, de a poco, se va tornando oscura y sangrienta. Hay mucho tópico muy típico del terror y rejuntado de una manera que, de todos modos, nunca hace que se pierda el interés. Entretenida y aterradora por igual.

ST. AGATHA

Lo nuevo de Darren Lynn Bousman (director de las Saw II, III y IV, o sea el que llevó a la saga a agotarse en el mismo momento en que se convirtió en saga) es una historia enmarcada en la década del ’50 y que se sucede -a excepción de los recurrentes flashbacks- en un convento en medio del bosque.

Mary está embarazada y, sintiéndose sola, decide hospedarse en un convento. A medida de que la película se va sucediendo se irá conociendo la historia que arrastra su protagonista y por qué no tiene a nadie más en quien confiar lo que la lleva a internarse allí.

Si ya de por sí los conventos y las monjas resultan aterradores, en St. Agatha todo se siente mal desde un principio. Aunque la reciban de manera amable, la imposición constante de reglas -como un voto de silencio que nadie cumple- la hacen saber que no será fácil, pero seguramente sea lo mejor. O no.

Escrita por unas cuantas manos: Andy Demetrio, Shaun Fletcher, Sara Sometti Michaels y Clint Sears, St. Agatha es una inconsistente película de terror que por un lado no logra aprovechar todo lo que tiene a su favor (la época, la religión) y en su lugar se preocupa más por generar todo eso mismo que ya hizo Bousman en las entregas de Saw que dirigió. Así, durante largos intervalos, la trama no avanza pero tenemos un montón de escenas sangrientas o desagradables gratuitas.

A todo esto se le suma el incipiente embarazo de la protagonista y la duda que de a poco se va introduciendo en ella: ¿Qué pasará una vez que tenga al bebé? Al observar alrededor sus compañeras parecen brindarle el peor de los augurios.

Un guion plagado de inconsistencias y situaciones y personajes poco desarrollados, un terror que funciona más por lo que se ve que por lo que sugiere, St. Agatha tiene de todos modos un par de cuestiones en donde sale airosa, aunque no sea lo suficiente: la banda sonora y las interpretaciones. Poco más, a la larga desaprovecha todo lo que podría haber utilizado a su favor para construir una buena historia y, sobre todo, crítica. Por último, Carolynn Hennesy como monja no convence a nadie.

PERFECT SKIN

Protagonizada por Richard Brake, Perfect Skin es un drama británico de terror psicológico dirigido por Kevin Chicken y escrito junto a Dusan Tolmac.

Katia es una joven inmigrante polaca que tras quedarse sin lugar donde vivir cae en la casa de su única amiga (o conocida), Lucy. Una noche en que deciden salir y beber un poco, llegan al estudio de Bob, un tatuador con el que Lucy se ha tatuado y quisiera volver por algún otro. Pero esa noche marca el encuentro entre Bob y Katia, a quien él observa como un lienzo en blanco, con su piel perfecta y sin marcas.

Cuando Lucy tiene un problema con su madre que la lleva a viajar de repente a su Australia local, Katia se queda sola con el dinero de la renta que ella le confía. El próximo encuentro entre Katia y Bob será de noche, entre mucha bebida y termina con ella secuestrada en un cuarto cerrado de la casa y estudio de Bob.

Allí aflora el Bob artista y de a poco va modificando ese lienzo en blanco hasta ir convirtiéndolo en la obra de arte que hable por él.

Brake, a quien los personajes complejos y oscuros le sientan de maravilla, presenta acá un personaje turbado y trágico que, de todos modos, se mueve siempre con mucha tranquilidad y convicción de que lo que está haciendo por Katia es algo maravilloso y por lo que ella estará agradecida. Es que además de los cambios físicos -que luego van más allá de los tatuajes-, le presenta un modo diferente de abordar el dolor y la introduce en un mundo apto sólo para unos pocos capaces. Aunque ella no tenga otra opción, aunque no sea ella quien decida sumergirse en él.

Extraña, oscura y por momentos fascinante, Perfect Skin es una lograda e interesante ópera prima, por momentos hipnótica y en gran parte gracias al protagónico de Brake, quien con su personaje e interpretación le agrega muchas capas a una trama que de por sí podría resultar muy simple.

19º Festival Buenos Aires Rojo Sangre: Competencia Internacional 2

El BARS 19 llega a su final y va dejando en su recorrido un interesante panorama del género a nivel mundial.

Competencia Internacional

RONDO

Rondo comienza narrada por una voz en off (que luego aparecerá y desaparecerá cuando quiera) que hace lucir a la película como algo totalmente diferente a lo que luego se verá. Pero en un principio nos presenta a su protagonista, Paul, un joven veterano de guerra que sin saber cómo seguir con su vida es enviado por su hermana a una terapeuta. Una mujer embarazada que habla sin escuchar y le sugiere un lugar que podría revitalizarlo. Al llegar allí, lo que parece en un principio una curiosa, aunque inquietante, propuesta sexual termina del modo menos esperado cuando observa, fuera del lugar donde tenía que estar esperando su turno, lo que podría pasarle si sigue él.

Escrita y dirigida por Drew Barnhardt, esta película norteamericana va mutando. Después de ese comienzo de fábula irónica con la voz en off, la sangre aflora y todo se va tornando impredecible. Cerca de la mitad hay incluso una ruptura muy fuerte y la protagonista pasa a ser la hermana, esta mujer que no habla demasiado pero está siempre atenta. Y el final donde todo confluye, donde todo debería explotar y, si bien sucede, lo hace de una manera poco inspirada para lo que venía prometiendo.

Rondo está compuesta de muchas planos y escenas largas que, aunque tienen una aparente intención de enrarecerlo todo, hacen que el film se sienta bastante estirado. Y, lo peor, insulso.

VIOLENTIA

Dirigida por Ray Raghavan y escrita junto a Nick Purrier, Violentia cuenta con una trama de tópicos actuales y necesarios: empieza con un estudiante y un arma en la secundaria, disparando y matando a sus compañeros.

Luego la historia presenta a su protagonista, un ingeniero que logra recrear memorias pero no cuenta con el apoyo necesario. Hasta que llega a él una doctora que trabaja para el gobierno y le cuenta de su proyecto para curar la violencia y lo necesario que podría ser su trabajo. Si bien él no quiere aceptar, cuando su hija es asesinada en un tiroteo en la escuela cambia de opinión porque entiende que la violencia tiene que ser erradicada.

Allí entra en juego otro personaje: el de un delincuente que ahora funciona como ratón de laboratorio. Primero con la creación de una especie de suero que lo hace sentir físicamente mal cada vez que piensa o está por hacer algo malo (a lo La naranja mecánica), y luego, en especial tras la muerte de su hija, introduciéndose aún más en su mente para entender los mecanismos con los cuales logra escapar de eso y al punto de recrear y ver qué sucede con esos cambios. ¿Por qué una persona es violenta? ¿Qué lo lleva a eso?

Lo que empieza como un interesante espejo de una realidad latente se va tornando una historia donde ya será cada vez más difícil distinguir qué es real y qué no. Donde incluso los personajes pueden revelarse como otros.

Este film canadiense se enrosca demasiado en sí mismo y, a la larga, si bien deja bien en claro lo que quiere contar, la forma resulta fallida.

I’LL TAKE YOUR DEAD

Después de The Drownsman, Bite y Let her Out, lo nuevo del canadiense Chad Archibald es una historia sobre un hombre que vive en una granja alejada de la sociedad junto a su pequeña hija. Pero no tiene un trabajo normal, por cuestiones de la vida se convirtió de manera requerida en una persona que desaparece cuerpos. Como otras veces, acuden a él después de asesinar a unos jóvenes de una pandilla. El problema empieza cuando descubre que no terminaron su trabajo con una muchacha.

Sin saber mucho cómo actuar en esa insólita situación, la cura pero la mantiene cautiva atada a una cama. De a poco la muchacha y la hija, que al vivir ahí aislada no tiene mucho contacto con el mundo exterior, se van relacionando en medio de una película que parece más un drama oscuro.

Y sin embargo a medida que se va sucediendo no sólo descubren los asesinos que la muchacha todavía está viva, sino que sale a la luz otra parte de la trama apenas expuesta en los primeros minutos y que la acerca a lo sobrenatural.

Así I’ll Take Your Dead, escrita por Jayme Laforest, parte de una premisa simple y funciona aun cuando es ante todo un drama familiar. Y sigue poniendo a Archibald en esa lista de realizadores a seguir.

THE LAPLACE’S DEMON

La representante italiana de la competencia internacional es una película dirigida por Giordano Giulivi y escrita junto a Duccio Giulivi, una curiosa propuesta en blanco y negro y con una cuidada producción que se sucede dentro de una mansión aislada en medio de una isla.

Personajes que pronto se darán cuenta de que son parte de un experimento. ¿Se puede predecir científicamente todo en la vida? Así como ellos han logrado predecir la cantidad de piezas exactas en las que se puede romper un vaso de vidrio al estallarse junto al piso, un misterioso anfitrión cree poder hacer lo mismo con las reacciones humanas.

En el medio, un modelo de la casa donde se encuentran presenta ocho peones que se van a ir moviendo de la misma manera en que cada uno de estos invitados, como para dejar en evidencia la posible predicción sobre sus acciones.

Aunque de un ritmo al principio pesado y enrevesado entre tanto personaje, The Laplace’s Demon pone en evidencia la terrible idea de que no tenemos control aún, de que todo lo que sucede está escrito de antemano. Sin embargo al complejo guion (que se torna más simple y algo subrayado en su resolución) se lo come la estética, con ese blanco y negro y planos que rememoran a las primeras películas de Mario Bava.

19º Festival Buenos Aires Rojo Sangre: Competencia Iberoamericana y novedades

Continúa la cobertura del 19º Festival Buenos Aires Rojo Sangre BARS con dos secciones que suman nuevas miradas al cine de género.

Competencia Iberoamericana

El Silbón. Orígenes

Esta película venezolana dirigida por Gisberg Bermúdez Molero se basa en un mito muy fuerte de los Llanos de ese país, el de una figura conocida como El Silbón. Lo que hacen acá es brindarle entidad, construir la historia de este personaje y cómo fue que se convirtió en esta figura que genera terror.

Entre dos tiempos, se narra por un lado la historia de un joven que vive con su aterrador padre, y por el otro la de una niña que parece estar poseída. En algún momento estas historias se unirán, pero mientras tanto el film se va moviendo entre un tiempo y otro, a veces de manera un poco confusa.

Con una buena dirección de arte y recreación de época, e intensas performances, El Silbón. Orígenes resulta interesante para conocer a este personaje legendario, una figura alta y esquelética, y que forma parte del folklore del lugar.

El habitante

Escrita y dirigida por Guillermo Amoedo (uno de los guionistas colaboradores de algunas películas de Eli Roth), El habitante cuenta, a grandes rasgos, la historia de una nena poseída. Eso por un lado, porque en realidad la acción principal se da en una enorme casa a la que unas jóvenes llegan para robar y se encuentran a la nena, aparentemente enferma, atada en una cama del sótano. Es a partir de ese momento que se irán sucediendo cosas que no entenderán, se ven obligadas a enfrentarse entre ellas y a sí mismas y a un pasado bastante pesado que llevan en sus espaldas.

Una película realizada con mucho cuidado, bien contada y con referencias a la película más clásica de exorcismos.

Novedades

Mandy

Una de las películas más esperadas es Mandy, dirigida por Panos Cosmatos y protagonizada por Nicolas Cage. Un film extraño, por momentos fascinante e hipnótico.

La primera parte de la película parece más preocupada en la creación de imágenes y climas extraños. Así, la trama no avanza demasiado durante esa primera hora, lo cual resulta algo desalentador, más allá de que sí se encarga de ir desarrollando el personaje que da título al film (Andrea Riseborough) y la relación que tiene viviendo en medio del bosque y alejado de todo y de todos.

Luego de la primera hora -sí, una hora que funciona más que nada como introducción-, el film toma otro vuelo ya ahora con el protagónico exclusivo de un Cage que se encuentra a sí mismo llevando a cabo una venganza brutal y sangrienta.

Hiperestilizada y un poco nostálgica, con la banda sonora de Jóhann Jóhannson en su último trabajo, Mandy es una propuesta extraña, más interesante a nivel visual que narrativo (donde incluso resulta previsible) y que, a pesar de su irregularidad, parece destinada a convertirse en película de culto.

Dans la brume

De Francia llega esta película dirigida por Daniel Roby y protagonizada por Romain Duris y Olga Kurylenko. Escrita entre Guillaume Lemans, Jimmy Bemon y Mathieu Delozier, Dans la brume se sucede en un futuro cercano en una París que, de repente, se ve invadida por una bruma que surge desde los subsuelos después de un sismo. Una bruma que mata a aquel que la respira y que llega hasta determinada altura, permitiendo a unos pocos sobrevivir en los últimos pisos de los edificios.

Los protagonistas son un matrimonio ya separado que viven a una cuadra de distancia y que tienen una hija con una extraña enfermedad que la fuerza a vivir encerrada en una vitrina, una especie de burbuja con filtros especiales. Toda la película tendrá a esos dos padres unidos intentando sobrevivir y mantener viva a su hija, en medio de una ciudad cada vez más desolada, sin electricidad y donde para moverse necesitan algún respirador.

Dans la brume empieza de una manera sin dudas atractiva, cuando la bruma irrumpe sin previo aviso. Después se va desarrollando a través de constantes conflictos y peripecias que tienen que ir superando, y que apuestan a un tono más emocional. A la larga lo que interesa acá es contar la historia de una familia y el amor como motor principal. Así el film comienza a decaer hasta llegar a una resolución que, aunque previsible, satisface aun ante la falta de algunas respuestas.

Comenzó el 19º Festival Buenos Aires Rojo Sangre: un paseo por la Competencia Internacional

Con la sede Multiplex Belgrano exclusivamente durante los primeros días a causa del G20 (a partir del domingo 2 de diciembre se suman funciones en Multiplex Lavalle), comenzó el festival de cine que reúne a los amantes del cine de terror. Este año el Buenos Aires Rojo Sangre vuelve a presentar una variada grilla de películas internacionales (y mucho cine latinoamericano), funciones especiales y actividades gratuitas.

Reborn

Dirigida por Julian Richards y escrita por Michael Mahin, Reborn cuenta con dos protagónicos interesantes para los nostálgicos: Barbara Crampton (quien hace unos años renació en el género, probablemente gracias a Adam Wingard y You’re next) y Michael Paré. La trama gira en torno a una actriz (Crampton) cuya carrera está estancada como ella misma desde que hace dieciséis años perdió a su hija. Pero las cosas no son como creía, y ese bebé al que no se preocupó siquiera por dar un entierro apropiado en realidad vivió y fue adueñado por un extraño empleado de la morgue que la crió encerrada. Esa niña, ya de adolescente, ve despertar en sí unos poderes telequinéticos y decide ir en busca de su madre.

Reborn más que una película de terror, durante gran parte del relato, se termina pareciendo a un drama de esos salidos del canal Hallmark, con una mujer que no puede seguir adelante porque no puede soltar y al mismo tiempo encuentra en esta joven que se le acerca y la cree actriz una nueva manera de reconectarse con quien fue en sus mejores tiempos. Y por allí, Paré haciendo de detective para acompañar el relato que va dejando algunos muertos en el camino.

No mucho más, aunque al final hay una pequeña sorpresa.

Vuelven (Tigers are not afraid)

De México llega esta película dirigida y escrita por Issa López. Una fábula protagonizada por niños en medio de un mundo horrible y violento donde sobreviven como pueden.

La protagonista es Estrella, una niña que recibe tres deseos de parte de su maestra en medio de un tiroteo, y al llegar a su casa se enfrenta a la noticia de que su madre está desaparecida. Cosas que pasan todo el tiempo. Pero encontrándose de repente sola se une a un grupo de niños huérfanos y juntos intentan sobrevivir en este mundo.

Más allá de introducir la fantasía (siempre en dosis justas) y una estética infantil, la película de López resulta, al mismo tiempo, cruda y realista. Porque es esa fantasía la que necesita Estrella y la que necesitamos nosotros para soportar un mundo tan horrible, y sin embargo a veces no hace más que acentuarlo. Un mundo donde cuenta con la fortuna de tener tres deseos y sin embargo cada uno se cumple de la peor manera.

Brutal y hermosa al mismo tiempo, vale mucho la pena ir a verla.

Isabelle

Dirigida por Robert Heydon y escrita por Donald Martin, Isabelle gira en torno a un matrimonio que en vísperas del nacimiento de su primer hijo se mudan a una enorme casa en un pueblo al norte del estado de Nueva York. Un barrio que se presenta tranquilo más allá de la presencia de una joven que no hace más que observarlos desde la ventana y de a poco parece enloquecer a Sarah, quien pronto pierde el embarazo.

Entre el drama de la pérdida de su hijo y el terror de fantasmas que parecen acecharla -aunque sólo ella los ve- se va sucediendo una historia que constantemente subraya lo que pasa y que se va tornando reiterativa.

Aunque obvia y simple, podría haber funcionado mejor si terminaba unos minutos antes, ya que tiene innecesarias vueltas de tuerca en su resolución. A la larga termina resultando una película poco original y lograda.

Soy tóxico

Una de las películas argentinas de la competencia es dirigida por Pablo Parés y escrita junto a Daniel de la Vega y Paulo Soria. Una de zombies post-apocalíptica.

Esteban Prol y Horacio Fontova son los principales protagonistas de esta historia sobre personas intentando sobrevivir en medio de una tierra que fue azotada por un extraño virus que convierte a las personas en “secos” (el nombre que eligen acá en lugar de zombie). Una supervivencia que los lleva a enfrentamientos varios, ya que a la larga el monstruo más peligroso muchas veces termina siendo el hombre.

Hay una notable producción y arte para crear este país post apocalíptico pero el guion conduce a una trama tan predecible como forzada. Además se toma demasiado tiempo para mostrar este escenario y poco para desarrollar los personajes.

Abrakadabra

Otra representante argentina es la nueva película de los hermanos Onetti, de regreso, tras Los olvidados, al giallo.

La trama que gira en torno a un mago (hijo de otro mago que supo ser prestigioso pero murió en medio de un acto propio) es muy simple, demasiado, más allá de que al principio parezca enrevesada y algo recargada, y sin embargo funciona porque es redonda, cierra por todos lados. No obstante, lo que se destaca no es otra cosa más que el estilo, si bien ya lo habían hecho antes acá está llevado a un nivel de perfección llamativo a la hora de presentar una película como si fuese de la misma cuna de donde nació el subgénero que tanto aman los Onetti.

Abrakadabra está en cada detalle, desde el doblaje y los créditos en italiano, hasta los planos y movimientos de cámara, los looks de las actrices, y la paleta saturada de colores. Así, la película aunque no sea nada original no deja de ser una valiosa carta de amor al giallo y será disfrutada por quienes compartan ese mismo sentimiento.

Punto muerto

El último de los realizadores argentinos en ser parte de la Competencia Internacional es Daniel De la Vega con su policial negro: Punto muerto. En ella pretende emular, homenajear y casi hasta interpretar el subgénero, no sólo desde lo cinematográfico sino también desde lo literario. La trama tiene como protagonista a un famoso escritor de policiales, Luis Peñafiel, cuya saga sigue siempre a un mismo detective y un mismo asesino. Camino a una serie de conversaciones se encuentra con el crítico despiadado Edgar Dupin, que se la pasa destruyendo su trabajo, y un joven admirador, Gregorio Lupus, que pretende seguir sus pasos. Estos personajes confluirán en un hotel comandado por Irene Ocampo donde de repente aparece un muerto en una habitación cerrada y todo comienza sospechosamente a parecerse a una de sus novelas.

De la Vega apuesta no sólo al blanco y negro para su película, sino a un estilo de cine clásico ya desde los créditos y la música. En el medio consigue generar misterio y al mismo tiempo imprimirle humor y consigue lo mejor de sus actores, donde sin dudas sobresalen Osmar Núñez y Luciano Cáceres.

Aunque el final se resuelve algo apresurado y embrollado, haciendo de todos modos caso al estilo de desarrollar al tipo de policial que homenajea, Punto muerto resulta un film logrado y entretenido, atrapante y lleno de referencias, sobre todo literarias (algunas muy evidentes, como las que conciernen al padre del policial: Edgar Allan Poe).

El festival de cine de terror y fantástico llega a la televisión abierta

Todos los viernes a la medianoche RojoSangreTV se emitirá por el canal Comarca Si (TDA 32.3). Combinando una selección de los mejores cortometrajes que pasaron por el festival.

Con material educativo especialmente rodado para la ocasión, RojoSangreTV cuenta con la conducción de Ariel Toronja y fue rodado bajo la dirección de Juan Oyharçabal y Pablo Marini. “El objetivo del programa es invadir las casas con el espíritu bizarro y terrorífico del festival”, señaló Oyharçabal, mientras que Marini aseguró que “La idea fundamental fue apostar por una propuesta humeante y explosiva nunca vista en televisión abierta. Espero que el público esté preparado para tanto”.

RojoSangreTV se podrá ver a partir del 21 de septiembre, todos los viernes a la medianoche en Comarca Si (TDA 32.3, con cobertura en Ciudad de Buenos Aires y alrededores). Posteriormente a su estreno en el canal, los programas estarán accesibles en las plataformas digitales del festival.

El BARS apuesta a la producción

El 20 de septiembre se abre la convocatoria para una nueva edición del concurso Fin de semana sangriento, repitiendo la exitosa experiencia del año pasado donde hubo casi un centenar de inscriptos. Trabajando a partir de consignas temáticas específicas y con sólo tres días para la entrega del montaje final, el concurso es un desafío para que los realizadores demuestren tanto su talento como su capacidad resolutiva bajo presión. Una preselección de trabajos se proyectará en el festival y el jurado decidirá quién se lleva el primer premio de $20.000 o el segundo por $10.000.

Paralelamente comenzó el rodaje de Crímenes Imposibles, película realizada a partir del libro de Nora Leticia Sarti, ganador del concurso de guiones que el Rojo Sangre organizó en 2015. Con apoyo del INCAA, tiene un elenco que incluye a Federico Bal, Sofia Delltuffo, Carla Quevedo, Guido G’arbo y Marcelo Sein. Dirige Hernán Findling. “Tanto Fin de semana sangriento como Crímenes Imposibles –señala Gabriel Schipani, director del BARS– muestran que el trabajo de un festival no pasa sólo por la difusión de películas, sino también por involucrarse con la producción, sea ofreciendo oportunidades para los que recién empiezan, como colaborando para concretar propuestas con destino a las salas tradicionales”.

BARS XIX a partir del 29 de noviembre

La decimonovena edición del más antiguo festival de cine fantástico de Latinoamérica se realizará entre el 29 de noviembre y el 9 de diciembre de 2018 en dos sedes del Complejo Multiplex: Multiplex Lavalle (Lavalle 780) y Multiplex Belgrano (Vuelta de Obligado 2199), Ciudad de Buenos Aires. El Buenos Aires Rojo Sangre es una cita obligada para los amantes del género y para el público que quiere entrar en contacto con un cine que no se ve en otros festivales.

18º Festival Buenos Aires Rojo Sangre BARS: Quinta Jornada

Finalizamos la cobertura del 18º Festival Buenos Aires Rojo Sangre BARS, con la competencia iberoamericana y la sección novedad.

De la Competencia Iberoamericana

Clementina de Jimena Monteoliva

Dirigida por Jimena Monteoliva y escrita junto a Diego Andrés Fleischer es una interesante visión sobre la violencia de género. Clementina es una joven que sufre la violencia de parte de su marido y eso le termina costando su embarazo. Cuando regresa a la casa a la que se mudaron recientemente, sola e intentando refugiarse de su ahora prófuga pareja, empieza a percibir cosas extrañas e inexplicables que la asustan.

Sin embargo, los peores monstruos son los humanos, porque son reales. Y en Clementina el terror se sucede a través de la cotidianeidad y del miedo a volver a aquello que tanto daño ha hecho. Una historia chiquita, contada de una manera diferente, y con un gran protagónico de Cecilia Cartasegna.

Malvineitor de Pablo Marini

La película de Pablo Marini ganó el Premio del Público probablemente por la libertad y las ganas con las que está hecha. Una historia algo delirante, que sucede en un futuro no muy lejano pero muy basada en el actual presente, sobre una nueva guerra por las Malvinas y un soldado que se enfrenta a un malvado plan de parte de los ingleses. No obstante no radica allí lo que seguramente haya cautivado al público que la vio en el festival, sino el humor y los constantes guiños, tanto a la actualidad argentina como a referencias cinematográficas, televisivas o de videojuegos que han disfrutado los más nostálgicos (Duro de matar, Power Rangers, Mortal Kombat).
Hay que decirlo: Malvineitor es probable que sólo pueda funcionar en un lugar como el BARS. Hay un gran laburo de producción con muy bajo presupuesto detrás también.

Culto al terror de Gustavo Leonel Mendoza

Con la película de Gustavo Leonel Mendoza estamos ante un documental, algo poco frecuente en las competencias. En este caso, quizás la película que mejor define al festival en sí y al público que asiste año a año. Mendoza intenta retratar el por qué y el cómo de este fanatismo que generan las historias de terror y fantásticas, especialmente en el cine. Para eso habla con especialistas que van desde programadores, dueños de locales temáticos, críticos, realizadores, actores y una extensa gama de profesiones que se pueden relacionar de un modo u otro con el terror.

Hay aportes muy valiosos como las presencias de Robert Englund, Paco Plaza, Barbara Crampton y Bruce Campbell entre muchos otros. Algunas son más bien anecdóticas y más pequeñas, como la de Takashi Miike.

Culto al terror dura dos horas y presenta mucho material y da la sensación de que detrás quedó todavía mucho más. Sin embargo no se puede evitar sentir que le falta cierto eje a la narración, que por momentos se torna reiterativa y pierde el rumbo. Pero es ante todo una película hecha con toda la pasión que genera este mundo tan lindo y particular.

Novedad

Thelma de Joachim Trier

La película de Joachim Trier fue la elegida por Noruega para enviar a los premios Oscars. Esto nos puede decir el buen momento que el cine de género está atravesando, ya que no suele tener un lugar en este tipo de premiaciones, si bien todavía falta un poco para conocer la lista definitiva de nominadas.

Thelma es una joven que se acaba de mudar sola para empezar a estudiar. Es tímida, algo retraída y lleva con ella una educación estrictamente religiosa que le impuso su padre. Por eso cuando conoce a Anja se le empieza a revolucionar todo, y por supuesto también el cuerpo. De repente, comienzan a pasarle cosas inexplicables.

Conviene no adelantar mucho más sobre el argumento de Thelma pero se puede decir que es una forma distinta e interesante de contar la historia de una joven bajo la sombra de sus estrictos padres y la imposibilidad de dejarse llevar, de permitirse ser ella misma. Todo esto con algo sobrenatural que va tiñendo de misterio gran parte del relato.

Por último, es inevitable remarcar la fotografía ya que el film regala unas imágenes preciosas desde el primer minuto. También hay que resaltar las actuaciones femeninas, en especial su protagonista Eili Harboe quien entrega su cuerpo a una interpretación por momentos muy visceral.

Hermosa película, de tiempos algo lentos pero siempre de una manera hipnótica gracias a lo bella visualmente y a la buena construcción de climas de misterio. Absolutamente cautivante.

Mick Garris: “Mi primer guión lo dirigió Martin Scorsese y solo se lo puedo decir a ustedes”

Mick Garris, un ícono del cine de terror, fue el invitado de lujo de esta edición del Buenos Aires Rojo Sangre y brindó una charla abierta y amena con los fans del género.

Steven Spielberg, Joe Dante, John Carpenter, Tobe Hooper, Stephen King. Esos nombres no necesitan presentación. Mick Garris vivió a la sombra de ellos por más de 40 años, pero casi nadie lo conoce. Sin embargo, es un nombre clave dentro del género de terror. Gracias a él se llevaron a cabo algunas de las mejores series de género fantástico de los últimos 30 años.

Fue el encargado de reescribir todos los capítulos de Cuentos Asombrosos, el propulsor de juntar en una misma serie a Carpenter, Hooper, Argento, Landis entre otros, gracias Masters of Horror. Y de llevar a la pantalla dos adaptaciones muy complejas y ambiciosas de Stephen King como Apocalipsis -una de las miniseries más exitosas de los 90- y El resplandor, la remake, que fue elogiada por su fidelidad con la novela.

“El matrimonio de King y Kubrick no fue frutífero porque Kubrick era un tipo sin corazón y King es muy humano. Aún así, hoy en día, la original sigue siendo una obra maestra, y mi adaptación, solo una miniserie para TV”, sentenció.

Con completa sinceridad y buen humor, Garris brindó una charla cautivante, en la que narró sus orígenes como crítico y redactor para revistas fantásticas, en dónde tuvo la oportunidad de entrevistar y participar del backstage de obras como Escape de Nueva York, ET y Aullidos entre otras.

 

Sus primeros pasos como guionista fueron gracias a Spielberg, cuando le ofreció escribir para Cuentos Asombrosos. Posteriormente, y gracias a la buena repercusión de la serie lo contrataron para escribir la secuela de La Mosca, e incluso, la de Gremlins 2. Pero no terminó ninguno de los dos proyectos. “Spielberg quería que escriba Gremlins 2, pero cuando se lo dijo a Joe Dante, este respondió: como voy a dárselo a él que es mi amigo… y es tan malo”. Por otro lado, en el caso de la secuela de la obra de Cronenberg, el problema fue que él quiso hablar de temas polémicos como el aborto y el derecho a la vida, y los estudios le pidieron un guión para adolescentes. En ese momento le surgió la oportunidad de dirigir su ópera prima, Critters 2, y eligió la secuela, con la que ironizó acerca de las similitudes con la película de Joe Dante.

Pero sin duda, fue su relación con Stephen King, la que marcó su vida, a partir de la película Sonámbulos. “Le tengo mucho cariño, pero no está ni entre mis mejores obras, ni entre las mejores adaptaciones de King. Me la ofrecieron despúes de que otro director fue despedido porque se había alejado demasiado de la novela de King”.

Garris recordó que fue en ese momento cuando conoció al escritor, que vivía en Maine, mientras él en Los Angeles. Posteriormente ambos volverían a trabajar juntos, pero con adaptaciones para la pantalla chica. Apocalipsis, fue la más exitosa de todas, pero tuvieron un productor demasiado tacaño y los efectos especiales le quitaron brillo al film. Cuando surgió la oportunidad de dirigir la remake de El resplandor, que iba a durar 6 horas a pedido de Stephen King para poder desarrollar mejor la locura del personaje de Jack Torrance, le ofreció el protagónico a Gary Sinise -protagonista de Apocalipsis– quién lo rechazó con buenos argumentos: “Es imposible meterse en los zapatos de Jack Nicholson. Debería haberle hecho caso”.

Sin embargo, el último verdadero hit de Garris fue reciente, cuando reunió a todas las mayores leyendas del cine de terror de todos los tiempos para Masters of Horror. Mick recordó anécdotas de las cenas en las que se juntaban todos a tirar ideas, como fue convencer a John Carpenter para que volviera a dirigir y la pelea con el canal tras el primer corte de Imprint, el brillante y visceral capítulo de Takashi Miike.”Cuando Showtime lo vio dijeron que no lo iban a pasar. Takashi se ofreció a hacerle cambios porque quería estar en la TV de Estados Unidos, pero yo le pedí que no lo haga, que deje su versión original”.

Garris aclaró que si bien contaban con un presupuesto limitado -casi dos millones de dólares por capítulo- y solo 10 días de rodaje, le brindó a cada director la libertad absoluta para que hagan lo que quisieran, para que hagan una película como ellos lo desearan.

La charla culminó con el anuncio de una nueva antología de cortos de terror, en la que además del gran invitado del BARS, participa Joe Dante, entre otros y, va a estar pensada para Netflix.

De esta manera, se despidió Garris, que estuvo presente en las dos proyecciones de Sonámbulos y brindó a cada fan la oportunidad de sacarse una foto, firmar películas y agradecer la oportunidad de estar presente en Buenos Aires.

Su último consejo fue: “Escriban. Todo parte del guión. A la mayoría de los guionistas los tratan horrible, pero un buen guión te puede convertir en estrella. Que elijan tu guión por encima de una pila de guiones es la mayor oportunidad que puedas tener. Y por favor, no llames a tus amigos para que actúen en tus primeras obras”.

18º Festival Buenos Aires Rojo Sangre BARS: Cuarta Jornada

Continua la cobertura del 18º Festival Internacional de Cine de Terror, fantástico y bizarro Buenos Aires Rojo Sangre BARS  con dos películas de la competencia internacional y dos de la competencia bizarra.

Competencia Internacional

Los olvidados de Luciano y Nicolás Onetti

Vuelven los interesantes hermanos Onetti, Luciano y Nicolás, esta vez alejándose de sus homenajes al giallo para entregar un slasher puro al mejor estilo La masacre de Texas. Con el bello y exótico Epecuén como escenario y un personaje más de la película, Los olvidados pone en foco a un grupo de jóvenes que viajan hasta esa ciudad en ruinas para filmar un documental (como lindo guiño, el director utiliza una remera de Francesca, la película anterior de los Onetti) pero pronto se encuentran varados y son atacados por gente del lugar que nunca quiso irse.

Como todo slasher cumplidor, hay cosas que vimos en un montón de películas, algunos clichés del subgénero y personajes excéntricos como villanos. No obstante, no es algo que se haya visto (y menos con esta calidad) acá en el cine argentino. Con un muy buen trabajo de fotografía, unas tomas aéreas que retratan Epecuén como si fuese un lugar de película, Los olvidados se toma un tiempo en presentar a sus personajes y luego crear este aire de misterio para luego tirar toda la carne al asador. El gore está servido, claro.

Más allá de varios lugares comunes y clichés, el guión, escrito por los hermanos junto a Carlos Goitia, funciona ante todo por lo efectivo y lo redondo. No obstante, el plus principal se lo brinda Epecuén y sus escenarios, con el matadero de Salamone incluido. Muy recomendada para quienes disfrutan los slashers y el cine de terror perturbador, no así apto para impresionables.

Hostile de Mathieu Turi

Escrita y dirigida por Mathieu Turi, Hostile es su ópera prima como realizador, una película francesa enmarcada en una post apocalíptica Nueva York. La protagonista es Juliet, una joven que va en busca de alimento y atacando a las bestias que se cruzan en su camino. De repente su camioneta vuelca y se encuentra varada de noche. Esos momentos le permiten además recordar qué pasó antes, cuando Nueva York todavía era una ciudad llena de gente y edificios, totalmente diferente al desolado desierto o ciudad abandonada que parece hoy.

Acá entra en juego otra historia y, casi, otra película. Porque aparecen flashbacks, largos y recurrentes, que van relatando la historia de amor de Juliet con un joven guapo y adinerado que la rescató de un mundo oscuro y las drogas. Esta parte de la historia es la menos atractiva, y hasta cuestionable por momentos por el tono machista involuntario con el que está relatada (algo así al mejor estilo Cincuenta Sombras, que tanto mal nos ha hecho).

Al final, una vuelta de tuerca resignifica la historia, aunque de manera algo predecible. A la larga, Hostile es una película que apuesta ante todo al drama romántico y deja con ganas de ver un poco más de ese mundo destruido y sus peligros. Los flashbacks se terminan comiendo la película y, si bien tienen que ver mucho con la resolución, hay unos cuantos que sobran y te sacan del clima en el que te introduce el encierro de Juliet en la camioneta esperando una ayuda que quizás nunca llegue.

Por último, resaltar quizás lo más valioso del film: la presencia de Javier Botet que le brinda desde el minuto uno cierta humanidad al monstruo al que le toca interpretar esta vez.

Competencia bizarra

Si ya de por sí el título de la competencia no les brinda suficiente información, lo aclaro: acá se puede encontrar cualquier cosa. Es donde caen las películas más extrañas, libres y, claro, al estar desligadas de productores, de muy bajo presupuesto.

La noche del virgen es una película española dirigida por Roberto San Sebastian y gira en torno a un joven durante la noche de fin de año. Con apariencia de perdedor, en medio de una fiesta se siente aburrido y decepcionado hasta que se da cuenta de la presencia de una mujer enfundada en un sexy vestido de lentejuelas verde que no para de mirarlo. Se van a la casa de ella y allí termina todo lo que uno podría suponer o esperar. A partir de ese momento se da una seguidilla de situaciones entre extrañas y desagradables que ponen a prueba a un protagonista que sólo espera que se termine de una vez esa noche de terror. La película dura casi dos horas y se hace eterna y bastante aburrida, especialmente cuando el humor escatológico se apropia del relato durante toda la última parte del metraje. A la larga, sufrimos (casi) tanto como el protagonista esperando que se termine.

De España también nos llega Cinebasura, dirigida por Miguel Angel Viruete y Paco Fox. La película en cuestión surge de un programa de televisión homónimo y cuenta la historia de los mismos Viruete y Fox, dos videobloggers que, al igual que en su blog Videofobia, reseñan películas clase b. Hasta que, por un extraño accidente, ven al mundo invadido por todo tipo de criaturas salidas del cine que ellos critican. Al ser expertos en el tema ellos serán los únicos capaces de salvar al mundo. A diferencia del chiste de los Simpsons, podemos decir que hay una gran verdad en el título de esta película: claramente homenajea al cine basura, y por lo tanto está filmada como cine basura. Es por esto que es muy difícil analizarla como a cualquier otra película; los efectos son malos, el guión es malo, las actuaciones son malas, pero, al mismo tiempo, ésa es la intención buscada. Por eso, sólo puede ser recomendable para gente muy fanática del género, quienes van a saber apreciar el tipo de humor que maneja. Un último dato de color para agregar: parte de la película fue financiada por sus fans a través de un crowdfunding.

18º Festival Buenos Aires Rojo Sangre BARS: Tercera Jornada

Seguimos la cobertura del  18º Festival Internacional de Cine de Terror, fantástico y bizarro Buenos Aires Rojo Sangre BARS con dos películas una de Estados Unidos, The song of Salomon de Stephen Biro y una española, Call TV de Norberto Ramos del Val.

The song of Salomon (EEUU, 2017), de Stephen Biro. NOVEDADES

La productora Unearth de Stephen Biro se propuso realizar una saga de películas llamadas American Guinea Pig, cuya misión es exhibir gore extremo similar a films de terror japoneses de mediados de los 80.

The song of Salomon, completa la trilogía. El tema elegido para esta entrega es un exorcismo que sale bastante mal. Mary está poseída por un demonio que manipula al padre de la adolescente a suicidarse. A partir de este punto, la madre de la niña, junto con un médico empezarán a recibir a una seguidilla de exorcistas que van cayendo ante el poder de Mary.

Es sabido que después del film de William Friedkin con Linda Blair, este subgénero fue destrozado por malas imitaciones. The Song of Salomon, no solo cumple con esta profecía -pocos entienden acaso que la obra de 1973 nunca prioriza el terror sino que es un drama existencial disfrazado de film de horror, y de ahí el impacto que tuvo generación tras generación- sino que ni siquiera logra destacarse en su meta de generar impacto por la visceralidad visual.

Y no se trata de un tema narrativo, sino directamente de una sucesión de errores técnicos -fallas graves de raccord, pésimas actuaciones, incoherencias generales- que terminan por distraer. Incluso hay un grave problema con el tono. El fin del director es mostrar órganos de las formas más espantosas y gratuitamente. Casi como si fuera pornográfico. Pero no lo logra. Por el contrario es pobre y ridículo. Biro pretende darle cierta seriedad al relato -la música y los climas no ayudan demasiado- pero termina creando inconscientemente, una comedia.

Si directamente hubiese pretendido hacer una sátira al género, quizás el resultado habría sido mejor. Pero entre un pésimo maquillaje, efectos especiales caseros y artesanales que dan bastante vergüenza ajena y una narración previsible, y casi nula -incluso conservadora sexualmente- Biro nunca le encuentra un norte a un film tan pobre en su manufactura que realza los valores cinematográficos de dos obras claves, más ingeniosas y conscientemente humorísticas como Evil Dead, de Sam Raimi, y Braindead, de Peter Jackson. No es casual que ambos directores ahora estén en un pedestal dentro de la industria, pero porque son gente con ideas que aprovecharon el limutado presupuesto para hacer algo ingenioso. Acá la ausencia de ideas es alarmante. Ver a un personaje sacarse la lengua a través de la garganta no es gore. Es ridículo. Mucho menos ver a la niña poseída escupiendo órganos de plástico tan mal realizados. ¿En serio no es una comedia? Un delirio de lo peor que se ha visto del género en los últimos años.

Call TV (España, 2017), de Norberto Ramos del Val. COMPETENCIA IBEROAMERICANA.

Una historia de terror situada en un lapso de 24 hs, concentrada en la pesadillesca noche que vive la nueva conductora de un programa de televenta y juegos de madrugada, es una excelente idea. Sin embargo, el director del film, la usa para satirizar al cine español contemporáneo.

Lucía es una joven actriz, que después de un accidente en un set, nunca más pudo obtener otro personaje. A pesar de su rebeldía, es seleccionada para conducir un programa de televenta nocturno, lo que le brindará la oportunidad de mudarse de su ex novio, que ya vive con otra mujer. Pero la noche de Lucía no arranca bien: es acosada por un técnico misógino, y el primer televidente que llama, amenaza con asesinar a su ex pareja, a quien tiene cautivo. A partir de acá el relato divide el punto de vista, para tomar el de Hugo, un psicópata que acaba de asesinar a una prostituta mientras la mira a Lucía, u la de su extraña vecina.

Comedia de enredos con giros absurdos, rebuscados, gags forzados, y algo de gore, Call TV intenta emular continuamente al humor y tono de Alex de la Iglesia, pero con resultados demasiado pobres y chistes viejos. Visualmente es poco arriesgada, pero se nota cierta pretensión de citar la estética de los primeros films de De Palma, y algunos de Almodovar. Pero, al que termina robando sin pudor y bastante autoconscientemente es al Alejandro Amenabar de Tesis y Abre los ojos.

Con desniveles interpretativos, resoluciones muy pobres y poco riesgo -hay algunas arbitrariedades y bizarreadas que zafan- Call TV se deja ver porque entretiene, y muy poco más.

18º Festival Buenos Aires Rojo Sangre BARS: Segunda Jornada

Continua la cobertura del 18º Festival Internacional de Cine de Terror, fantástico y bizarro Buenos Aires Rojo Sangre BARS, con tres películas en competencia internacional y un documental.

De la competencia internacional

Habit de Simeon Halligan

De Reino Unido, retratando especialmente la noche de Manchester, Habit cuenta la historia de un chico algo problemático al que le cambia la vida el conocer a una joven que le introduce un mundo que parecía oculto pero que él siempre llevó a dentro de sí.

Dirigida y escrita por Simeon Halligan, basada en una novela de Stephen McGeagh, estamos ante un relato que deambula por diferentes tonos. Por momentos es un drama, con personajes con problemas de todo tipo, especialmente sociales; durante otros tantos hay gore y escenas donde se derrama mucha sangre pero éstas no apuestan siempre al terror sino que coquetean con el humor negro.

También se hacen presentes durante el relato conceptos como el de familia, personas que se convierten en nuestro sostén sin necesidad de llevar nuestra mismo adn. Porque la joven interpretada por Jessica Barden le presenta a Michael muchas otras cosas además de un nuevo trabajo, después de tanto tiempo buscando oportunidades que no se le daban.
Si bien es algo despareja, Habit cuenta ante todo con personajes interesantes que le suman mucha fuerza a este curioso relato sobre el cual no conviene adelantar demasiado.

Replace de Norbert Keil

18º Festival Buenos Aires Rojo Sangre BARS: Segunda Jornada

De producción alemana y dirigida por Norbert Keil, Replace gira en torno a la eterna obsesión del ser humano por permanecer de apariencia joven y vivir más.

Kira es una joven que además de contar con pérdida de memoria, observa que la piel de su mano esta secandose y que después de un tiempo se muere y se cae a pedazos, dándole un aspecto desagradable. Las visitas a la doctora no parecen ayudarla demasiado.

Un día se desmaya en el pasillo de su departamento y así conoce a una vecina, una joven que la ayuda y de a poco entablan una amistad. Pero todo cambia para Kira cuando casualmente descubre que la piel de otra persona se adhiere con mucha facilidad sobre su cuerpo.

En Replace confluyen varias líneas narrativas. La relación que Kira arma con esta chica, los fantasmas de una relación pasada, la obsesión por curarse que la lleva a tomar decisiones y acciones cuestionables, y algunas más producto de vueltas de tuerca más avanzada la historia. Todo esto hace que a la trama se la sienta algo recargada y que al final la resolución pareciera un conjunto de diferentes finales.

Más allá de estas irregularidades estamos ante un atractivo retrato sobre la imposibilidad de aceptar el paso del tiempo, no sorprende de hecho que la protagonista en alguna escena se parezca a la condesa Bathory, aunque acá se derrame menor cantidad de sangre, porque mientras para la famosa asesina serial la sangre es vida, para Kira la cuestión es algo más superficial y está en la piel, en lo que se ve, en lo que otros pueden ver en ella.

Aterrados de Demián Rugna

Dirigida y escrita por Demián Rugna, una película argentina en la competencia internacional ya nos indica algo. Y es que en este caso nos encontramos ante la que sea probablemente una de las mejores películas de terror nacionales.

Aterrados es una película que apuesta a terrores básicos, como monstruos debajo de la cama, cosas que aparecen en la oscuridad cuando no las vemos, fantasmas detrás de las paredes, niños que parecen muertos, ruidos en la casa. Varios tópicos comunes que logran construir una trama simple y concisa, y sobre todo efectiva.

Si bien el principio del film parece enfocarse en un par de protagonistas, poco después veremos que en realidad la historia seguirá a un grupo de investigadores, entre policías y un par de especialistas. Ellos encerrados en tres casas diferentes van descubriendo qué es lo que se esconde realmente.

Como pocas veces estamos ante una película muy lograda y creo que pocas veces con una película nacional se puede vislumbrar a un espectador que grite sobresaltado o se cubra los ojos por temor a lo que va a venir. Aterrados provoca un miedo real, clásico, muchas veces al mejor estilo Lights out, el corto que luego se convertiría en largo.

Buenas actuaciones (resaltándose Maxi Ghione) terminan de sumarle puntos a una película que todo fanático del género debería ver.

Yapa: un documental

Herederos de la bestia de Diego López y Daviz Pizarro

18º Festival Buenos Aires Rojo Sangre BARS: Segunda Jornada

Uno de los documentales que brinda esta nueva edición del festival es el que Diego López y Daviz Pizarro realizaron sobre Alex de la Iglesia y la película que lo cambió todo, El día de la bestia.

Mientras la primera parte de la película se enfoca en la situación que el cine español estaba viviendo por aquellas épocas, donde hacer películas de corte fantástico parecía algo impensable y, sobre todo, no rentable en lo absoluto, con testimonios de directores que han sabido influenciarse por el homenajeado en cuestión, Herederos de la bestia toma otro ritmo y otro color a la hora de adentrarse en todo lo que concierne a El día de la bestia.

Desde cómo se fue concibiendo, cómo fue la elección de cada actor, hasta cuestiones más específicas como los trabajos en determinadas escenas, la idea de este documental es apreciar y celebrar lo que El día de la bestia significa para el cine fantástico español. Y claro, reconocer en Alex de la Iglesia a una especie de padre.

Con valiosos testimonios y algún sentido homenaje, Herederos de la bestia es imprescindible para cualquier fanático pero también para quien quiera comprender de dónde provienen tantas de las películas, en especial españolas, de género que hoy vemos en una cantidad mucho más notable. Si tienen dudas, acérquense a la Competencia Iberoamericana del festival en cuestión.

18º Festival Buenos Aires Rojo Sangre BARS: Primera Jornada

Empezó el Buenos Aires Rojo Sangre BARS  y, como cada año, apuesta al cine de género con variedad de propuestas novedosas que provienen de todo el mundo.

De la competencia iberoamericana.

Relicto de Laura Sánchez Acosta

Una película argentina, rodada en Concordia, Relicto retrata la historia de un padre junto a su hija adolescente que se van a una cabaña en medio del bosque poco después de la muerte de su madre. Ella no es una chica común, o fue esa muerta la que la convirtió en una chica de conductas imprevisibles, sin embargo el estar acá despierta en ellas cosas más raras e inexplicables. ¿Es ella, es producto del trauma? ¿O realmente sucede algo que no se está viendo en primer plano?.

Justamente uno de los problemas que tiene esta película es en lo que se ve. Una cámara inquieta que provoca varias imágenes movidas y una falta de iluminación que hace que muchas de las escenas principales directamente no se vean. Si bien hay clara una intención acá de sugerir más que de mostrar, de crear climas tenebrosos y de misterio, se siente que algo quedó perdido en el trayecto. Interesante propuesta de género local de todos modos, ópera prima de Laura Sánchez Acosta.

El ataúd de cristal de Haritz Zubillaga

Justamente de España proviene está película dirigida por Haritz Zubillaga y escrita junto a Aitor Eneriz. Lo más curioso del film en cuestión es la utilización de una sola y cerrada locación durante todo el relato (a excepción de unos pocos segundos al principio y al final), algo así como en Enterrado de Rodrigo Cortés.

En este caso, la protagonista es una mujer, Paola Bontempi en la piel de Amanda, una actriz que se dirige a una ceremonia donde le darán un premio por su trayectoria de ya unos veinte años. Sola, vestida de gala, y aprovechando la champaña que el servicio le brinda, se dirige en la limusina hasta el lugar de la fiesta. Hasta que descubre que no era ese el plan de quien la está conduciendo.

Ideas como la de esta película pueden derivar en muchos resultados. Lamentablemente, acá se agota bastante rápido. El antagonista, que aparece todo el tiempo a través de una voz distorsionada, no resulta lo suficientemente fuerte y muchas de sus motivaciones y acciones se perciben inverosímiles.

El film intenta retratar el mundo del cine como algo más bien cínico y superficial donde se salva quien puede, pero todo eso queda enterrado bajo capaz de escenas sin mucho sentido que apuestan a provocar antes que a brindarle algo de forma al guión. A nivel actoral, Bontempi se entrega por completo a su personaje, sin temer quedar en el ridículo.

Mirada de cristal de Ezequiel Endelman y Leandro Montejano

Escrita y dirigida por Ezequiel Endelman y Leandro Montejano, Mirada de cristal es una de las recientes películas del cine nacional que demuestran por un lado un amor inmenso hacia el cine de otra época (y de otro lugar) y por el otro que se es capaz de lograr productos de notable calidad cuando hay ganas y amor por lo que se hace.

Una oda de amor al giallo, con un gran conocimiento de género. Pero no sólo allí radica el encanto del film, cuya dirección de arte es simplemente excelente, sino que además hay una buena historia, buenos personajes y hasta participaciones especiales que brindan algunos bellos detalles más al film.

La trama gira alrededor del mundo de la moda. Alexis Carpenter es la modelo del momento, todas quieren ser como ella pero hay una sola. Mientras todo el mundo la ama por la imagen que conoce de ella, en persona es una chica caprichosa y egoísta que se cree superior al resto. Sin embargo, fallece en medio de un accidente en un desfile y esto eleva su estatus de modelo icónica. Un año después, un par de modelos se disputan la portada para el número homenaje de la famosa revista Attila.

El slasher mostrará su mejor cara entonces en una mansión donde se iba a llevar la producción de fotos. El asesino, una persona enfundada detrás de una máscara y un tapado negro que lo hace parecer un maniquí viviente, se irá cobrando cada víctima a través de decorados coloridos y glamorosos.

Entretenida, llena de guiños y con una calidad técnica inmejorable, Mirada de cristal es una pequeña joyita que demuestra el buen momento que el cine de género está pasando en nuestro país más allá de las limitaciones.